Analisando Discografias - Toto e Guns N' Roses (RA: XXXVIII)

                        

Toto XX: 1977-1997 – Toto

NOTA: 7/10

Após chegarem aos 20 anos de existência, o Toto lança uma coletânea com bastante material inédito, sendo bem diferente das outras duas coletâneas. Este disco incluía em si faixas inéditas, demos e faixas ao vivo gravadas entre 1977 e 1997. Além de todas essas gravações contarem com todas as parcerias que a banda teve em toda sua trajetória. A produção do álbum envolveu vários membros da banda ao longo dos anos, incluindo os fundadores, bem como os mais recentes, como Simon Phillips. Além disso, contou com vários produtores nesse material, como Greg Ladanyi e Elliot Scheiner. Todo esse trabalho do Toto teve que ser bem elaborado e polido, além de que eles tiveram que remasterizar e implementar algumas técnicas de gravação. Então o repertório contém várias canções interessantes, como uma que traz um lado experimental, que é Miss Sun, que ficou de fora do primeiro álbum, além de ter outras canções espetaculares como Goin’ Home e Right Part Of Me que deveriam ter sido implementadas nos discos em que elas foram gravadas. No entanto, algumas canções não ficaram muito bem detalhadas, como Mrs. Johnson e Love Is A Man’s World, que também ficaram de fora das sessões do disco de estreia deles. No finalzinho, há umas músicas ao vivo todas bem performadas, exceto Dave’s Gone Skiing e Baba Mnumzane. Mas apesar disso, este compilado é até interessante, apesar de ter algumas besteiras.

Mindfields – Toto 

NOTA: 8,3/10

Um ano se passou, e foi lançado o 12º álbum do Toto (embora alguns digam que é o 11º, enfim, uma confusão boba). Esse álbum era um pouco mais experimental. Depois de toda a divulgação do trabalho deles de 20 anos de estrada e uma grande turnê comemorativa, a banda definiu o retorno do vocalista Bobby Kimball, que não gravava com a banda desde o Toto IV. A volta de Kimball trouxe um renovado entusiasmo tanto para eles quanto para os fãs, esperando uma mistura do estilo clássico do Toto com novas influências adquiridas ao longo dos anos, até porque muita gente fala que a banda ficou bem diferente sem ele. O álbum foi produzido pela banda, junto com Elliot Scheiner. Gravado em um momento em que a música Pop e o Rock estavam passando por significativas transformações, eles buscaram capturar a essência do som característico do Toto enquanto experimentavam novas sonoridades e técnicas. Tudo isso misturando aquele lado progressivo com Rock de arena, seguindo a mesma fórmula de sucesso. Refletido assim, num repertório muito interessante e extenso, já que as músicas são bem longas, os maiores destaques ficam com Mysterious Ways, que é uma faixa bem animada, No Love, que tem uma melodia maravilhosa, e Melanie, que é uma bela canção Pop. Além disso, há outras canções legais como Cruel, Caught In the Balance, Mad About You e One Road. No fim, é um disco muito legal que mostra a versatilidade da banda ao tentar experimentar coisas que deram certo.

Falling In Between – Toto 

NOTA: 1/10

Sete anos depois, eles retornam com o não tão poderoso Falling In Between, que já de primeira dá para ver que tem algo de errado. Este álbum é significativo por várias razões: foi o último álbum de estúdio da banda com o tecladista David Paich e também marcou o retorno do Steve Porcaro, que contribuiu nas composições. Após um longo período sem nada novo, eles tentaram revitalizar a banda, buscando combinar seu som clássico com novas experimentações. Dessa vez, a produção foi bastante intensa e todos os membros tiveram que suar a camisa para criar alguma coisa. Apesar de que a turma da novata gravadora Frontiers, com a qual eles assinaram após largarem a Legacy, tentou ajudar na sonoridade, que queria demonstrar a habilidade técnica e a experiência dos membros da banda, eles acabaram indo para um lado com adições de Heavy Metal e até Metal progressivo. Só que eles fizeram uma bagunça com tudo isso, o que fez eles soarem como uma banda tediosa e genérica, parecida com o Dream Theater (e isso não é um bom sinal). Então, o repertório é completamente horrível e com canções totalmente chatas e sem qualquer tipo de carinho, refletido nas canções Bottom Of Your Soul, Hooked, Simple Life e Let It Go, que trazem riffs tão secos que dão vontade de dormir. As outras canções, Dying On My Feet, Spiritual Man e a faixa-título, tentam apenas imitar algumas coisinhas de outras músicas famosas deles. Enfim, este disco é tenebroso, péssimo e uma bela porcaria.

Toto XIV – Toto

NOTA: 1,5/10

Depois de lançarem um disco tenebroso e após um grande período de pausa, eles retornaram em 2015 com o Toto XIV ou será Toto XIII? Enfim, depois de um último trabalho que foi uma grande porcaria, eles tinham anunciado o seu fim, mas acabaram retornando e trazendo algumas mudanças na formação com o retorno do tecladista David Paich e do baixista David Hungate, e a adição do novo baterista Keith Carlock. O restante era o pessoal de sempre, mas sem Mike Porcaro e Bobby Kimball. Este disco foi feito para ser uma continuação do aclamadíssimo Toto IV. Então, eles produziram em conjunto com CJ Vanston e foram gravar com a intenção de capturar a essência clássica deles. Só que, ao invés de fazerem uma continuação, eles fizeram uma nova versão totalmente inexpressiva e maçante, pois os arranjos são os mais sem graça possíveis e têm uma melodia que não encanta nem uma espécie rara de javali. O repertório é, mais uma vez, terrível e com muitas canções tediosas já no início, como Running Out of Time, Burn, Holy War e 21st Century Blues, que eles tentaram fazer serem experimentais. Sem contar que há até canções que parecem imitar o Coldplay misturado com Greta Van Fleet, que são as medianas Orphan, Fortune e a chatíssima Chinatown. No final de tudo, é mais um disco terrível e chato da banda. Só um detalhe: cinco dias após o lançamento, Mike Porcaro acabou falecendo, vítima da doença que carregava.

Old Is New – Toto 

NOTA: 3/10

Então chegamos ao último álbum de estúdio da banda, intitulado Old Is New, que parecia trazer algumas novas esperanças de ser algo bom. Eles lançaram esse trabalho logo após lançarem a coletânea 40 Trips Around the Sun, que até trouxe umas faixas inéditas e material não lançado anteriormente. Eles decidiram pegar essas músicas e fazer um material novo, só que este sendo o final, já que a banda não queria mais fazer coisas novas, o que foi afirmado pelo próprio Steve Lukather. Então, eles queriam explorar uma mistura de tudo que fizeram ao longo dos anos e tentar deixar de uma forma marcante. A produção foi feita por eles mesmos pela última vez e conseguiram lançar pelo selo da gravadora que os marcou, a Columbia Records. A produção em si até que foi bem-feita, apesar de que não tiveram muita criatividade e fizeram arranjos totalmente irregulares, além de misturarem todas as influências que tiveram ao longo dos anos. O repertório é bastante apático, mas até tem algumas músicas boas como In a Little While e Chase the Rain, que são interessantes pela sua qualidade. Já o resto são só canções ruinzinhas como Fearful Heart, Spanish Sea, Chelsea (que não é o time; por sinal, na Inglaterra, isso é até nome de mulher) e Oh Why. No final, temos uma canção do projeto musical What So Not em que a banda faz uma participação, que, resumindo, é uma canção fraca. Enfim, o último disco deles acaba sendo ruim, uma despedida bem triste.

G N’ R Lies – Guns N’ Roses 

NOTA: 4,8/10

Após todo o sucesso com o clássico Appetite For Destruction, no ano seguinte o Guns retorna com o polêmico G N’ R Lies. Que basicamente foi feito de forma montada porque ele é dividido em duas partes: as quatro primeiras faixas são retiradas do EP Live ?! *@ Like a Suicide, e as quatro últimas são gravações acústicas inéditas. O Lies seguia o sucesso massivo do álbum de estreia da banda, só que apenas servindo como um interlúdio. A produção foi conduzida mais uma vez por Mike Clink. Na primeira metade do álbum ele não mexeu muito, já que manteve a energia bruta e o estilo ao vivo do EP original, enquanto na segunda metade acústica da banda ele deu uma pequena ajeitada. O que eles quiseram fazer era uma produção simples e direta, refletindo tanto o som cru e energético dos primeiros dias da banda quanto as baladas acústicas. Só que você percebe que as coisas estão muito erradas e soando até como desnecessárias. Então, a primeira metade do repertório são essas canções ao vivo, sendo divididas em inéditas, com apenas uma boa que é Move To The City, e os covers fraquíssimos de Nice Boys do Rose Tattoo e Mama Kin do Aerosmith. Já as canções acústicas têm a maravilhosa balada romântica Patience, Used To Love Her, que foi feita para ser uma piada com a namorada do Axl Rose, e a polêmica One In A Million, que foi acusada de racismo, xenofobia e homofobia por conta de sua letra. Mas, enfim, esse álbum acaba sendo ruim e deixa aquele sentimento de que faltou uma moldagem.

Use Your Illusion I – Guns N’ Roses 

NOTA: 9,8/10

Três anos depois, enfim chega o tão aguardado novo trabalho do Guns N’ Roses, vindo em forma de disco duplo, sendo este o Use Your Illusion I. Lançado em um período de alta criatividade e turbulência para a banda, após o gigantesco sucesso com seu álbum de estreia. Durante as gravações, a banda passou por uma mudança de formação, pois o baterista Steven Adler acabou sendo demitido, e em seu lugar entrou o ex-baterista do The Cult, Matt Sorum. O processo de gravação foi notoriamente caótico e cheio de tensões internas. Novamente, Mike Clink produziu este trabalho do Guns, conferindo uma sonoridade mais polida e ambiciosa, incorporando elementos de Rock clássico, Blues, Punk Rock e até mesmo música clássica. As gravações ocorreram entre janeiro de 1990 e agosto de 1991, em diversos estúdios. Além disso, os arranjos são mais orquestrados e têm uma abordagem mais experimental. O repertório é excelente e inclui várias músicas incríveis como Right Next Door to Hell, o cover de Live and Let Die de Paul McCartney e Wings, Perfect Crime, Garden of Eden, que conta com a participação do Alice Cooper, e Don’t Damn Me, todas elas bem energéticas. Além, é claro, das maravilhosas baladas November Rain e a versão original de Don’t Cry (calma, tem outra). Além disso, há uma canção espetacular que não é muito lembrada, que é Back Off Bitch, com seus riffs bem agressivos. Enfim, essa primeira parte é maravilhosa e se mostra muito mais experimental do que sua segunda parte.

Use Your Illusion II – Guns N’ Roses 

NOTA: 9,5/10

Logicamente, como já está claro, no mesmo dia foi lançado o Use Your Illusion II, que é muito mais voltado para o lado característico da banda. Nem preciso dizer que a produção esteve por trás foi exatamente a mesma, mas a maior diferença é que as músicas foram compostas em violões acústicos na casa do Slash em várias noites. Além disso, este trabalho aborda temas políticos e questões sociais, como a violência e o uso de drogas. Assim como seu irmão gêmeo, este álbum também foi produzido por Mike Clink. Aqui, a sonoridade apresenta aquele lado mais característico, com bastante Heavy Metal e Hard Rock em suas músicas, mas com uma leve pitada das influências presentes na primeira parte. O repertório também é incrível e já começa com cinco canções maravilhosas: Civil War, 14 Years, Yesterdays, Knockin’ on Heaven’s Door (que é uma canção de Bob Dylan) e Get in the Ring. Além disso, há outras faixas bem legais, como Pretty Tied Up, Estranged e a clássica You Could Be Mine. Ainda há a outra versão de Don’t Cry, que ficou mais conhecida, mas que no geral foi desnecessário colocar cada versão em determinada parte. Há também algumas canções irregulares, como Locomotive (Complicity) que eles erraram na melodia e a terrível My World, que, graças a Deus, pelo menos é curta. No final de tudo, essa segunda parte também é muito boa, mas uma coisa que é fato é que dava para fazer esses dois discos de uma forma única.

The Spaghetti Incident? – Guns N’ Roses  

NOTA: 7,4/10

Após um tempinho, chega o menosprezado "The Spaghetti Incident?", que era um trabalho bem diferente de todos os seus anteriores. Inicialmente, este projeto era para ser um EP inteiramente de covers, apresentando a banda reinterpretando músicas de artistas que os influenciaram, principalmente de Punk e Hard Rock. E eles fizeram isso tentando aliviar a pressão de todos aqueles momentos de tensão do Use Your Illusion. Produzido mais uma vez por Mike Clink, a sonoridade até estava polida, mas era mais direta e crua, refletindo o lado Punk das faixas escolhidas. Trazendo uma abordagem agressiva e animada, mantendo a essência das músicas originais enquanto fundia o estilo característico da banda. Um detalhe interessante é que quem tocou a guitarra rítmica foram duas pessoas: Izzy Stradlin no início, após isso ele saiu da banda, e depois pelo Gilby Clarke, que acabou sendo creditado. Enfim, o repertório, como já foi dito, é composto por covers. Os mais legais são Since I Don't Have You do The Skyliners, Hair of the Dog do Nazareth e o inesperado Attitude do Misfits, que fez o Guns parecer ser uma outra banda. Fora isso, há outros covers bons, exceto Human Being do New York Dolls, You Can’t Put Your Arms Around a Memory do Johnny Thunders e I Don’t Care About You, que é até legal, caso não fosse estragada pelo cover oculto da péssima canção de Charles Manson (sim, dele mesmo). Apesar de tudo isso, esse trabalho até que é interessante, apesar de ter muitas irregularidades.

Chinese Democracy – Guns N’ Roses 

NOTA: 3/10

Depois de longos 15 anos de espera, chega o 6º álbum do Guns N’ Roses, o fatídico Chinese Democracy, com seus longos problemas. Tudo começou no início de 1994, mas a gravação não foi iniciada imediatamente. Durante esse período, a banda passou por inúmeras mudanças de formação: Slash saiu, Gilby Clarke também saiu e, por fim, Duff McKagan e Matt Sorum saíram, restando apenas Axl Rose. Ele contratou novos músicos para substituí-los até conseguir uma formação definitiva composta por Robin Finck, Bumblefoot, Richard Fortus, Tommy Stinson, Dizzy Reed e Chris Pitman. Como sabemos, o trabalho de produção foi marcado por diversos atrasos, mudanças de produtores e direções musicais. O álbum tornou-se um dos mais caros já produzidos, com custos estimados em cerca de 13 milhões de dólares. Além disso, Axl Rose arranjou até tretas com o pessoal da Geffen Records. Basicamente, este álbum incorpora uma ampla variedade de estilos, desde Hard Rock e Rock Industrial até elementos de música eletrônica. No entanto, no final, tudo isso ficou bagunçado e foi mixado de forma bem apressada. Refletindo assim em um repertório muito ruim, que teve algumas músicas boas, por incrível que pareça, como Better, There Was a Time, Madagascar e Prostitute. Já o restante é tudo pavoroso, com os maiores destaques sendo This I Love, Scrapped, Catcher in the Rye e Sorry. No fim, este último álbum até o momento do Guns é terrível e uma mancha podre na carreira da banda.

 

Analisando Discografias - Public Enemy e Toto (RA: XXXVII)

                       

What You Gonna Do When The Grid Goes Down? – Public Enemy

NOTA: 8,2/10

Em setembro do mesmo ano, saiu o último disco até o momento do Public Enemy, com muitas coisas impactantes. Surgindo naquele período de intensa agitação social e política nos Estados Unidos, com movimentos como Black Lives Matter ganhando destaque mundialmente, o grupo canalizou essa energia para criar uma obra que aborda temas de justiça social, política e a necessidade de resistência coletiva. Além disso, esse trabalho marca o retorno do Public Enemy à Def Jam Recordings, a lendária gravadora onde lançaram seus álbuns mais icônicos. A produção foi feita por Chuck junto com a ajuda do Flavor, e eles fizeram um trabalho que combina a estética clássica do Public Enemy com influências modernas. Toda sonoridade é crua e direta, com muita batida pesada e arranjos muito bem trabalhados. Refletindo num repertório muito bom, com várias participações ambiciosas. As melhores foram com o sensacional grupo Cypress Hill e George Clinton em GRID, Nas, Rapsody, Black Thought, Jahi, YG e Questlove no remix de Fight The Power. Tem também uma nova versão de Smash The Crowd que ficou muito boa. Na verdade, várias músicas do Nothing Is Quick in the Desert foram refeitas e ficaram bem melhores, como é o caso de Toxic. Mas das músicas inéditas, a que mais vale destacar é State Of The Union (STFU) com DJ Premier. No final de tudo, é um ótimo disco, muito bem produzido e que até pode se tornar um clássico do grupo.

Toto – Toto 

NOTA: 9/10

Indo agora para a banda Toto e seu disco de estreia autointitulado, ele chega de uma forma completamente grandiosa. A banda, formada por músicos de estúdio altamente respeitados, incluía David Paich no teclado e Jeff Porcaro na bateria, que se conheceram na época em que estudavam na mesma escola. Eles adicionaram o baixista David Hungate, o guitarrista Steve Lukather, o irmão de Jeff, Steve Porcaro, também nos teclados, e por fim, adicionaram Bobby Kimball, que era vocalista de uma outra banda. Com tudo isso, eles conseguiram chamar a atenção da gravadora Columbia e assinaram com eles em 1977. A própria banda produziu esse álbum, com algumas ajudas de pessoas que trabalhavam na gravadora. Toda a sonoridade era uma combinação de Rock, Pop e elementos progressivos, com arranjos meticulosos e muita técnica envolvida. Refletindo num repertório incrível, com muitas canções sensacionais como I'll Supply the Love e Georgy Porgy, que puxavam para um lado de Soft Rock e mostravam o lado Pop da banda. Além disso, tem também a ótima Takin' It Back e o clássico hit Hold the Line, que surgiu de forma completamente improvisada e que nem eles imaginavam que se tornaria um dos maiores clássicos da banda, com toda aquela sonoridade perfeita de Hard Rock que lembrava um pouco de Heavy Metal. E não posso esquecer das sensacionais Manuela Run e Angela. Em suma, é um disco incrível que deu um baita começo para a banda.

Hydra – Toto 

NOTA: 9/10

No ano seguinte, eles retornam com outro álbum incrível, o Hydra, que trazia a banda num lado de Rock progressivo. Após o sucesso comercial do seu álbum de estreia, a banda buscou expandir seus horizontes musicais e experimentar novos sons e estruturas. E como já dito, esse disco é frequentemente visto como uma tentativa de mostrar um lado mais progressivo e até ambicioso da banda. A produção foi novamente feita pela banda, com a colaboração de Tom Knox e Reggie Fisher. E o trabalho em si foi muito bem detalhado, incorporando uma variedade de instrumentos e arranjos elaborados que refletem o desejo do grupo de experimentar e inovar. Além de uma mixagem impecável, permitindo que cada elemento sonoro tenha seu espaço, resultando em um som denso e complexo. Contendo um repertório tão incrível quanto o do seu antecessor, cheio de músicas incríveis como, no início, as meio psicodélicas faixa-título e St. George and the Dragon, e também a canção 99, que foi inspirada no filme de ficção científica THX 1138 e que traz uns arranjos muito suaves. Além disso, tem também as boas baladas A Secret Love e Lorraine (já adianto que tem muita música com nome de mulher, então se acostumem) e o brilhante Hard Rock contido em All Us Boys. No fim, é um disco maravilhoso e que, por mais que não tenha tido o mesmo sucesso comercial do seu antecessor, é um baita disco.

Turn Back – Toto

NOTA: 8,5/10

Se passaram dois anos e chega o 3º disco da banda, o Turn Back, que é bem mais espontâneo que os anteriores. Após o sucesso de seus dois primeiros álbuns, a banda decidiu adotar uma abordagem diferente para seu terceiro lançamento. Embora Hydra tenha mostrado uma inclinação para o rock progressivo, este disco foi uma tentativa de criar um som mais direto e orientado para o Rock de arena. E isso fica evidente na produção, que foi feita predominantemente por Geoff Workman, conhecido por seu trabalho com outras bandas famosas como Journey e Queen. Com uma sonoridade mais direta, com ênfase em guitarras pesadas e poderosas, Workman conseguiu capturar de forma excelente a energia bruta da banda enquanto ainda mantinha a precisão técnica deles. Já o repertório, mais uma vez, é muito bom e tem muitas músicas interessantes, como Gift with a Golden Gun, Live for Today e até mesmo a balada Million Miles Away, que mostra o poder contido nessas canções. Além disso, tem outras canções sensacionais, como English Eyes, que até lembra um pouco as músicas do The Cars, e a outra balada mais romântica, I Think I Could Stand You Forever, que acabou sendo esquecida, já que poderia ter virado hit. Apesar de tudo isso, esse disco acabou fracassando comercialmente, o que fez a gravadora Columbia pensar em rescindir o contrato com eles caso o próximo trabalho fosse um fracasso. Mas, apesar disso, é um álbum muito legal e que tem o seu devido valor.

Toto IV – Toto 

NOTA: 8/10

Então, no ano seguinte, eles lançam o ótimo e icônico álbum Toto IV, que foi certamente um dos trabalhos mais importantes da banda. Após o último disco não ter tido um grande sucesso, a banda estava sob forte pressão da Columbia Records para entregar um álbum de sucesso, pois, caso contrário, corriam o sério risco de serem desligados da gravadora. Determinados a fazer um grande retorno, eles se concentraram em criar um álbum que tivesse a mesma fórmula de sucesso de sua estreia. Assim, novamente, eles próprios produziram esse disco com a ajuda do Greg Ladanyi. Essa produção é um exemplo clássico do som polido e altamente profissional que caracteriza muitos álbuns dos anos 80. Esse trabalho é conhecido por sua produção cristalina, que equilibra perfeitamente os instrumentos e os vocais, destacando os arranjos complexos e o virtuosismo técnico da banda, enquadrando uma sonoridade que é uma combinação de Hard Rock, Pop Rock e até influências de Jazz. Mas esse disco tem um grande problema, que é seu repertório: por mais que todas as músicas sejam boas, como é o caso da sensacional Africa, a ótima Rosanna, e a melancólica It’s a Feeling, há uma imensa falta de ordenação, pois elas deveriam abrir o álbum, enquanto I Won’t Hold You Back deveria encerrá-lo. Sinceramente, eles erraram muito na ordem das faixas. Mas, apesar disso, é um disco muito bom e realmente é um dos melhores trabalhos da banda.

Isolation – Toto 

NOTA: 7,8/10

Indo para Isolation, que é o 5º álbum de estúdio do Toto, que chega com várias mudanças e coisas novas. Após o sucesso do último disco, o baixista David Hungate deixou a banda para seguir uma carreira de estúdio/produção, e outro dos irmãos Porcaro entrou em seu lugar, o Mike Porcaro. Já o vocalista Bobby Kimball enfrentou um processo por acusações relacionadas a drogas. E por mais que elas tenham sido retiradas, Kimball foi demitido da banda em 1984 devido à dificuldade de gravar vocais e inúmeras sessões perdidas, o que foi um grande erro na minha visão. Em seu lugar entrou o Fergie Frederiksen, que era da banda LeRoux. Mais uma vez a banda produziu seu próprio disco, e toda sua sonoridade foi moldada de uma forma sofisticada, com grandes influências de Rock de Arena. E assim eles fizeram isso para deixar tudo de uma forma grandiosa, tentando carimbar tudo que eles conseguiram fazer em seu antecessor. O repertório desse álbum contém ótimas músicas, apesar de que muitas delas até se encaixariam perfeitamente naqueles filmes de férias daquela época, como é o caso de Stranger in Town e Angel Don’t Cry, ambas maravilhosas, além da boa balada contida em How Does It Feel e na energética Mr. Friendly. No entanto, tem umas músicas medianas que são Endless e a faixa-título, que têm uma grande falta de ritmo. Enfim, esse disco é muito bom, mas é claro que dá para notar uma tentativa de se enquadrar nas canções de sucesso dos anos 80.

Fahrenheit – Toto 

NOTA: 8,7/10

Mais dois anos se passaram, e é lançado o Fahrenheit, mais um disco da banda que vem com mais algumas mudanças. Após Isolation, Fergie Frederiksen foi demitido, já que ele estava com muita dificuldade em gravar com eles. Então a banda fez uma audição com Joseph Williams, filho do compositor de cinema John Williams e da atriz Barbara Ruick, e ele foi escolhido para assumir os vocais principais no início de 1986. A produção foi exatamente a mesma, porém a sonoridade ficou muito puxada para um lado ainda mais Pop e principalmente seguindo as tendências da grande mídia, no caso eles fizeram o máximo para se aproximar da New Wave, embora tivesse influências muito mais de Rock de Arena, com R&B e até Funk Rock. O álbum também apresentou contribuições de músicos convidados, como Michael McDonald, David Sanborn, Paulinho da Costa, entre outros, que incluíram camadas adicionais em algumas faixas. Enquanto que o repertório é o que mais se aproximou dos outros discos, com muitas faixas interessantes como Till the End, Can’t Stand It Any Longer e Somewhere Tonight, que são bem diferenciadas em seus arranjos, além da lindíssima balada Without Your Love, Lea, que é uma canção injustamente subestimada, e logicamente o grande hit desse disco I’ll Be Over You. E só um detalhe, eles acertaram muito na ordem das faixas. No fim, é um disco incrível e um dos trabalhos mais interessantes da banda em seu auge.

The Seventh One – Toto 

NOTA: 7,3/10

Pouco tempo depois, foi lançado The Seventh One, um trabalho ainda mais diversificado que o anterior. Após o Fahrenheit, que foi um álbum onde a banda tentou repetir o mesmo sucesso do Toto IV, notava-se que eles estavam completamente pressionados pelas tendências da época. Quando começaram a gravar este disco, o tecladista Steve Porcaro anunciou que estava deixando a banda. Sua decisão foi parcialmente influenciada por acreditar que suas contribuições não estavam bem representadas e, além disso, ele queria se dedicar a produzir trilhas sonoras para o cinema. A produção do álbum foi conduzida por George Massenburg, com colaborações da banda e do Bill Payne. Eles gravaram em estúdios de alta qualidade, com arranjos complexos e uma sonoridade polida que ia para um lado completamente Pop, mas que continuava a explorar elementos de Rock de arena e isso foi ideia do próprio Massenburg, lembrando que Steve Porcaro contribuiu para as gravações desse álbum. O repertório em si é interessante, com algumas músicas muito bem pensadas, como a melódica Pamela, You Got Me, onde os vocais de Joseph Williams fazem parecer uma música do Michael Jackson, a maravilhosa Stop Loving You e a interessante balada Only the Children. No entanto, há canções que são bem amarradas e que chegam a ser tediosas, como Mushanga, Stay Away, These Chains e a desnecessária Home of the Brave. Apesar de ser um disco legal, ele peca completamente em todo seu conceito.

Kingdom of Desire – Toto  

NOTA: 2/10

Quatro anos se passaram, e chega o Kingdom of Desire, que era um trabalho completamente diferente e que tentava trazer coisas novas. Este álbum marcou uma mudança significativa no som da banda, movendo-se para um estilo muito mais tendencioso. Eles demitiram Joseph Williams e tentaram encontrar um novo vocalista, mas, por grande pressão, Steve Lukather acabou assumindo os vocais. Quando faltavam poucos meses para o lançamento deste álbum, o baterista Jeff Porcaro faleceu, vítima de uma doença cardíaca. Felizmente, ele teve tempo de gravar este disco. O álbum foi produzido pela banda em conjunto com Danny Kortchmar, e eles tentaram deixar a sonoridade mais direta, além de tornar as canções mais imersivas e técnicas, inserindo várias influências de Hard Rock, Blues Rock, Funk Rock e, em determinados momentos, até Heavy Metal (por incrível que pareça). No entanto, nada disso acabou funcionando, pois ficou forçado demais e não havia qualquer nível de coesão. O resultado foi um repertório que é um compilado de músicas sem brilho e que beiram ao tédio. Muitos desses casos são evidentes nas péssimas faixas She Knows The Devil, The Other Side e o instrumental completamente sem graça intitulado Jake to the Bone. Além disso, as baladas até tinham potencial, mas acabam beirando a chatice, como How Many Times e Only You. No final de tudo, o último trabalho da banda com Jeff Porcaro é um completo desastre.

Tambu – Toto 

NOTA: 8/10

Após o último álbum, que foi completamente desastroso, eles retornam com Tambu, que resgatou um pouco da essência da banda. Este disco marca uma fase de transição para a banda, sendo o primeiro após a morte do baterista Jeff Porcaro e com a entrada de Simon Phillips como seu substituto, por mais que isso pudesse nem ter acontecido, já que o Toto quase acabou. Mas foi por conta da família de Jeff que eles decidiram continuar. O título desse disco se deve a uma referência a um tambor africano, refletindo uma certa exploração de ritmos e estilos diversos. A produção foi em conjunto com Elliot Scheiner, um produtor renomado que já havia trabalhado com artistas como Steely Dan e The Eagles. O trabalho ao todo foi muito mais sofisticado e bem planejado, com uma clara ênfase na qualidade sonora e nos arranjos detalhados. Trazendo uma sonoridade muito mais certeira e fiel, misturando influências de Hard Rock com Pop, o que foi aquilo que os fez ficarem conhecidos, só que, é claro, o som estava modernizado. Dessa vez, o repertório desse disco é muito bom e todas as músicas continuaram sendo longas, mas, desta vez, tinham muito mais qualidade, como I Will Remember, If You Belong to Me, Baby He’s Your Man e Time Is The Enemy, que são bastante contagiantes. Além disso, há também uma ótima balada, The Other End Of Time, e a eclética Drag Him To The Roof. Enfim, este álbum é muito legal e eles praticamente conseguiram fazer algo que não conseguiram com seu antecessor.