Analisando Discografias - Red Hot Chili Peppers: Parte 3

                   

Stadium Arcadium – Red Hot Chili Peppers

NOTA: 9,7/10

Em 2006, o Red Hot Chili Peppers lançou mais um álbum, o extenso e grandioso Stadium Arcadium. Após o sucesso dos dois últimos álbuns, que consolidaram a banda como uma referência do Rock alternativo, a banda voltou ao estúdio. Esse projeto, inicialmente planejado como uma trilogia, acabou sendo condensado em um álbum duplo, contendo 28 faixas divididas entre dois discos: Jupiter e Mars. O Red Hot vivia um período relativamente estável: John Frusciante estava em um auge criativo após voltar para o grupo em 1998, e suas influências psicodélicas e melódicas se intensificaram nesse projeto. Anthony Kiedis, por sua vez, estava mais introspectivo, refletindo sobre relacionamentos e amadurecimento pessoal. O álbum foi produzido novamente por Rick Rubin, que optou por uma abordagem mais orgânica, gravando-o na casa de Kiedis como uma forma de trazer um ambiente intimista e confortável para as sessões. A atmosfera das gravações permitiu improvisações e longas jams entre os integrantes, resultando em um trabalho denso, mas fluido. O repertório é excelente, com muitas canções sensacionais. Os maiores destaques no disco Jupiter são os hits Dani California e Snow (Hey Oh), além da faixa-título e Hump de Bump. Já no disco Mars, destacam-se Desecration Smile, Tell Me Baby, Readymade e So Much I. No final, é um disco maravilhoso, mas que poderia ter se beneficiado de uma seleção única.

 

                                                        Então é isso, flw!!!      

Analisando Discografias - Red Hot Chili Peppers: Parte 2

                 

Mother’s Milk – Red Hot Chili Peppers

NOTA: 9/10

O tempo se passa, e o Red Hot Chili Peppers retorna com seu 4º álbum de estúdio, o Mother’s Milk. Após o The Uplift Mofo Party Plan, a banda ficou debilitada com a morte do guitarrista Hillel Slovak por overdose de heroína no ano anterior. Além disso, o baterista Jack Irons deixou o grupo, emocionalmente devastado pela perda do amigo. Para substituí-los, entraram John Frusciante (guitarra) e Chad Smith (bateria), dando início à formação clássica que consolidaria a mistura mais robusta de Funk, Rock, Rap e Punk. A produção foi novamente conduzida por Michael Beinhorn, em um processo tenso. Beinhorn insistiu para que Frusciante adotasse uma abordagem mais densa e distorcida, contrastando com seu estilo mais sutil, o que gerou frustração no guitarrista. No entanto, essa pressão acabou sendo essencial para moldar a sonoridade do álbum, Flea continuou entregando suas linhas de baixo marcantes, que dão groove às faixas e se destacam ao lado dos vocais enérgicos de Anthony Kiedis. Outro aspecto importante da produção foi o uso frequente de overdubs e efeitos, ampliando a profundidade e a textura sonora do álbum. O repertório, mais uma vez excelente, traz diversas faixas memoráveis, como Good Time Boys, Taste The Pain e Magic Johnson. Porém, os maiores destaques ficam por conta de Nobody Weird Like Me, Knock Me Down e o maravilhoso cover de Higher Ground, do Stevie Wonder. Em suma, é um disco maravilhoso que deu grande visibilidade à banda.

Blood Sugar Sex Magik – Red Hot Chili Peppers

NOTA: 10/10

E aí chegamos em 1991, e o Red Hot Chili Peppers lança o fantástico Blood Sugar Sex Magik, que foi a virada de chave para eles. Após o Mother’s Milk, a banda queria algo maior e mais orgânico, buscando aprofundar sua identidade musical. Só que o contrato com a EMI chegou ao fim, e eles começaram a procurar uma nova gravadora. Iniciaram conversas com a Epic, mas, no final, assinaram com a Warner. Para gravar o disco, a banda se isolou em uma mansão supostamente mal-assombrada em Los Angeles, onde viveram e trabalharam juntos por semanas. A produção ficou a cargo do inspirado Rick Rubin, que encorajou o grupo a abraçar uma sonoridade mais crua e orgânica, afastando-se do som mais elaborado e saturado que marcou os trabalhos anteriores. Rubin evitou o uso excessivo de overdubs e efeitos, permitindo que cada instrumento tivesse espaço para brilhar. Frusciante utilizou riffs simples, mas cheios de feeling. Flea fez uma mistura de slaps e grooves. Chad Smith trouxe batidas robustas e precisas, enquanto Anthony Kiedis continuou mandando bem. O repertório é fantástico, parecendo uma coletânea, com canções perfeitas como Suck My Kiss, Breaking The Girl e The Greeting Song. Porém, há uma sequência maravilhosa com Give It Away (criada de forma improvisada), a faixa-título, Under the Bridge (composta enquanto Kiedis refletia sobre a solidão e as lutas para se manter limpo das drogas) e Naked In The Rain. No fim, esse álbum é um clássico e uma verdadeira obra-prima.

One Hot Minute – Red Hot Chili Peppers 

NOTA: 9/10

Quatro anos se passaram, e é lançado o One Hot Minute, um disco que praticamente ficou na sombra de seu antecessor e sucessor. Após o gigantesco sucesso do Blood Sugar Sex Magik, John Frusciante deixou a banda devido a problemas pessoais e à dificuldade de lidar com a fama. Sua saída levou a uma breve crise de identidade, já que o estilo de Frusciante era uma grande alma do grupo. Para substituí-lo, a banda recrutou Dave Navarro, ex-guitarrista do Jane’s Addiction, mas seu estilo era mais psicodélico e alternativo. Além disso, Anthony Kiedis estava lidando com recaídas em seu vício em drogas. A produção foi novamente comandada por Rick Rubin, mas o processo foi mais complexo e demorado do que antes, durando cerca de um ano. A transição para o estilo de Navarro trouxe desafios criativos, já que ele tinha um background mais ligado ao Rock experimental e alternativo do que ao Funk Rock que caracteriza o som do Red Hot. Por isso, a sonoridade, apesar de poderosa, apresenta um som mais denso e menos groovado, com maior ênfase em guitarras distorcidas. O repertório é muito bom e traz várias faixas interessantes, como a balada My Friends e Tearjerker, feita em homenagem a Kurt Cobain. Além delas, há outras canções marcantes, como Aeroplane, Coffee Shop, Walkabout e Pea, que é cantada por Flea. No final de tudo, é um ótimo disco, apesar de ser bastante subestimado pelos fãs.

Californication – Red Hot Chili Peppers

NOTA: 10/10

Depois de mais um intervalo de quatro anos, a banda retorna lançando mais um clássico, o maravilhoso Californication. Após o subestimadíssimo One Hot Minute, o guitarrista Dave Navarro saiu devido também ao seu vício em drogas. John Frusciante retornou, após lutar contra o próprio vício, e nesse meio tempo ficou totalmente pobre e muito dependente, chegando ao ponto de ter tido 5 OVERDOSES. No fim, graças aos conselhos de amigos, ele foi para uma clínica de reabilitação. Com seu retorno, o Red Hot reconectou-se com suas raízes e encontrou uma nova sonoridade: mais melódica e introspectiva, contrastando com o Funk Rock frenético e experimental dos álbuns anteriores. A produção foi novamente liderada por Rick Rubin, que trouxe uma sonoridade mais refinada e melódica, em contraste com o tom sombrio de seu antecessor. A banda optou por um som mais leve e atmosférico, com ênfase em guitarras limpas, grooves sutis e arranjos harmônicos. O repertório é mais uma vez maravilhoso, com muitas canções perfeitas, como a sequência inicial com as energéticas Around the World e Parallel Universe e as melódicas Scar Tissue e Otherside, inspiradas nos vícios de Anthony Kiedis e, no caso da última, no falecido Hillel Slovak. Além disso, há outras canções excelentes, como a clássica faixa-título, Easily, I Like Dirt e Road Trippin’. No final de tudo, é mais um disco excelente e completamente atemporal.

By the Way – Red Hot Chili Peppers 

NOTA: 9,5/10

Após a virada do século, em 2002, o Red Hot lança seu 8º álbum de estúdio, o By the Way, que traz uma relativa mudança. Após o excepcional Californication, inicia-se uma nova fase na carreira da banda, onde melodia, harmonia e sofisticação assumem o lugar daquele lado mais cru. Enquanto o álbum anterior lidava com redenção e busca por equilíbrio após momentos conturbados, esse novo álbum aprofunda-se em sentimentos de amor, introspecção e espiritualidade, revelando uma banda mais contemplativa. Um dos fatores centrais para essa mudança é o papel crescente do John Frusciante na composição e direção criativa. A produção foi feita pelo mesmo produtor de sempre, que ajudou a banda a polir sua nova abordagem musical. Rick Rubin trouxe uma sonoridade mais clara e texturizada, com um foco maior em arranjos sutis e camadas de harmonia vocal, contendo menos groove explosivo e menos batidas sincopadas que antes, em favor de uma sonoridade mais atmosférica e melódica. A performance vocal do Anthony Kiedis também amadureceu, experimentando mais harmonias e deixando de lado os vocais de Rap. O repertório é sensacional e traz várias baladas interessantes, como a própria faixa-título, Dosed e I Could Die for You. Além disso, há o psicodelismo contido em The Zephyr Song, o maravilhoso hit Can’t Stop e On Mercury, que é basicamente um Ska. Enfim, esse álbum é excepcional e um dos mais reflexivos da banda.

  

Então é isso, um abraço e flw!!!   

Analisando Discografias - Red Hot Chili Peppers: Parte 1

                  

Freaky Styley – Red Hot Chili Peppers

NOTA: 3,2/10

Um ano depois de lançarem seu álbum de estreia, o Red Hot Chili Peppers lançou seu 2º trabalho, o Freaky Styley. Após sua estreia em 1984, o Red Hot ainda era uma banda em formação musical e estava no underground. Os problemas com a produção do primeiro álbum, que ficou aquém das expectativas da banda, e a saída temporária do guitarrista Hillel Slovak (que voltou logo depois) e do baterista Jack Irons criaram desafios logo no início. Como eles gostavam de misturar Punk e Funk, a banda buscava um produtor que pudesse amplificar essa sonoridade única. Eles encontraram a pessoa certa em George Clinton, pioneiro do Funk e líder do Parliament-Funkadelic, que trouxe para o álbum uma atmosfera descontraída e experimental, incentivando a banda a abraçar sua natureza caótica. Essa abordagem resultou em um som cru, só que ainda estava fora de ritmo. O que vale destacar são as linhas de baixo do Flea, que se tornaram uma força dominante, com grooves profundos e pulsantes. O repertório novamente é muito fraco, trazendo faixas péssimas como Jungle Man e Yertle the Turtle. Além disso, há o pavoroso cover de Hollywood (Africa) do The Meters e um ótimo cover de If You Want Me to Stay do Sly & the Family Stone. Ainda assim, o álbum conta com outras músicas boas, como American Ghost Dance, Blackeyed Blonde e Catholic School Girls Rule. Em suma, é mais um trabalho bem ruim da banda, mas já dava para perceber que eles estavam se moldando.

The Uplift Mofo Party Plan – Red Hot Chili Peppers 

NOTA: 9,2/10

Dois anos se passaram, e o Red Hot enfim lança um disco decente, o The Uplift Mofo Party Plan. Após seus dois primeiros trabalhos fraquíssimos, eles ainda estavam em busca de uma estabilidade criativa. A banda enfrentou turbulências com mudanças na formação, consumo excessivo de drogas e a luta para encontrar uma sonoridade que equilibrasse suas influências de Funk, Punk e Rap. Com Slovak e Irons de volta à banda de forma definitiva, o grupo ganhou uma dinâmica mais coesa. No entanto, as tensões pessoais e o vício em drogas afetaram profundamente alguns dos membros, especialmente Anthony Kiedis (que chegou a ir para reabilitação) e Hillel Slovak. Desta vez, a banda trabalhou com o aspirante a produtor Michael Beinhorn, que trouxe uma abordagem mais agressiva e orientada para a performance ao vivo, buscando capturar a energia explosiva que a banda transmitia no palco. A produção é mais direta e crua, priorizando os grooves do baixo e as batidas punkeadas, com a guitarra do Slovak se destacando por riffs funky e solos distorcidos. O repertório é sensacional, com muitas canções divertidas como Fight Like a Brave, Funky Crime, Me and My Friends, Behind the Sun, Special Secret Song Inside e até um ótimo cover de Subterranean Homesick Blues do Bob Dylan. Depois desse álbum, Hillel Slovak tentou se isolar para lutar contra seu vício, mas veio a falecer devido a uma overdose de heroína. Apesar disso, esse álbum é maravilhoso e marcou uma grande mudança na trajetória da banda.

  

        Então é isso, flw!!!   

Analisando Discografias - Soundgarden: Parte 3

                  

Superunknown – Soundgarden

NOTA: 9,9/10

Três anos depois, o Soundgarden lança o espetacular Superunknown, um álbum fiel ao espírito de seu antecessor. Após o Badmotorfinger, que alcançou um relativo sucesso, a banda estava sob pressão para entregar um trabalho mais ousado e acessível, sem perder sua identidade sombria e pesada. Ao mesmo tempo, havia uma busca interna do grupo por experimentação artística, indo além do Grunge para incorporar elementos mais psicodélicos, acústicos e melancólicos. Naquela época, Chris Cornell vivia um momento pessoal turbulento, lidando com depressão e questões existenciais que se tornaram temas centrais do disco. A produção ficou a cargo do Michael Beinhorn, conhecido por seu trabalho meticuloso, enquanto Brendan O’Brien assumiu a mixagem. O trabalho da produção foi ambicioso, combinando camadas densas de guitarras, experimentos com efeitos psicodélicos, percussões complexas e os vocais expressivos do Cornell. Beinhorn encorajou a banda a sair da zona de conforto: afinou as guitarras em escalas incomuns, adicionou sintetizadores e efeitos, e integrou gravações acústicas para suavizar a agressividade. O repertório é excelente, com canções sensacionais como Spoonman e as melancólicas The Day I Tried to Live e 4th of July, além das belíssimas baladas Black Hole Sun e Fell on Black Days. Outras faixas bem legais são Mailman e Kickstand. Enfim, esse trabalho é sensacional que, junto com seu antecessor, figura como um verdadeiro clássico.

Down On The Upside – Soundgarden 

NOTA: 9/10

Em 1996, dois anos após o último trabalho, a banda lança seu 5º álbum de estúdio, o Down on the Upside. Após o estrondoso sucesso do Superunknown, o Soundgarden se consolidou como uma das bandas mais importantes do Rock alternativo. Só que o peso das turnês extensas e a pressão criativa começaram a minar a harmonia interna, principalmente entre Chris Cornell e o guitarrista Kim Thayil. Esse álbum veio para marcar uma tentativa de ruptura com o som tradicional da banda, incorporando novas texturas e arranjos menos rígidos. A decisão de produzir o álbum internamente, sem o auxílio do Michael Beinhorn, reforçou essa busca por liberdade artística. Com isso, eles conseguiram produzir esse disco, e a escolha de evitar produtores externos deu à banda maior liberdade para explorar novas ideias e texturas, apesar da colaboração do produtor Adam Kasper. Essa busca por um som menos polido resultou em faixas mais cruas, algumas com pegada acústica, e uma produção mais aberta e atmosférica. Com uma sonoridade mais leve e experimental, o álbum deixou de lado as grandes influências do Grunge. O repertório é muito legal e traz várias canções sensacionais, como as baladas Zero Chance e Burden in My Hand, as afiadas Pretty Noose e Tighter & Tighter e a melódica Blow Up the Outside World, além de várias outras. No final de tudo, é um ótimo disco, apesar de todos os problemas internos que pairaram sobre a banda.

King Animal – Soundgarden 

NOTA: 3,4/10

Após 16 anos, o Soundgarden retornou lançando seu último álbum, o King Animal. Depois que a banda chegou ao fim em 1997 por conta dos desentendimentos, os membros seguiram caminhos separados: Chris Cornell lançou carreira solo e se juntou ao Audioslave, enquanto Kim Thayil, Ben Shepherd e Matt Cameron exploraram outros projetos. Cameron, em particular, se tornou baterista do Pearl Jam. No entanto, a demanda dos fãs e o revival do Grunge no início dos anos 2010 impulsionaram a reunião da banda em 2010. Após uma série de shows comemorativos e o lançamento de uma coletânea, a banda foi para o estúdio. A produção ficou a cargo do Adam Kasper, que tinha sido coprodutor do Down on the Upside. Eles optaram por uma produção clara e dinâmica, diferente das densas camadas sonoras anteriores. A ideia era criar algo mais direto, além de trazer uma variedade de afinações e ritmos pouco convencionais, só que o resultado ficou confuso, e faltou explorar melhor a sonoridade. Com isso, o repertório é bem fraco e traz poucas canções boas, como Been Away Too Long, A Thousand Days Before e Attrition. O restante é muito chato e cansativo, com faixas como Non-State Actor, Halfway There e as pavorosas Taree, Eyelid’s Mouth e Rowing. Mesmo continuando após esse álbum, infelizmente, em 2017, Chris Cornell se suicidou, e assim a banda chegou ao seu fim definitivo. Em suma, esse último trabalho é bem ruim e encerrou a trajetória do Soundgarden de forma amarga.  

Review: 333 do Matuê

                   

333 – Matuê

NOTA: 10/10

Depois de muita espera e de se tornar a lenda do álbum que nunca seria lançado, enfim chega o 2º trabalho do Matuê, o 333. Após o Máquina do Tempo, que foi um projeto totalmente experimental, Matuê começou a planejar em um album totalmente conceitual. Porém, o rapper sofria grande pressão da gravadora Sony, da qual ele queria sair. No entanto, ainda faltava lançar mais um trabalho com eles. Foi então que ele entregou o EP Sabor Overdose no Yakisoba, cujas três faixas: A Última Dança, Honey Babe e, principalmente, Reza do Milhão, são ataques diretos à Sony, pavimentando o caminho para que seu próximo álbum fosse lançado de forma independente. O título 333 carrega um significado triplo, abordando os temas material, espiritual e mental, refletindo uma busca pelo equilíbrio. Toda a produção foi conduzida pelo próprio rapper, com uma pequena colaboração de Samuel Batista e Brandão85. O álbum traz um acabamento refinado, com batidas cristalinas e uma sonoridade que vai além do Trap tradicional, incorporando diversas influências. O repertório é excelente e muito bem ordenado, os destaques são as vivências em Crack com Mussilon, 1993 e a faixa-título. Todas as feats são ótimas, e a melhor é Isso é Sério com Brandão85. Outras faixas trazem influências variadas, como música eletrônica em O Som, neo-prog em Maria e Indie Rock em Like This!. No final de tudo, é uma obra impressionante que supera seu antecessor e, com o tempo, vai se tornar um clássico.

Analisando Discografias - Soundgarden: Parte 2

                   

Badmotorfinger – Soundgarden

NOTA: 10/10

Algum tempo depois, o Soundgarden lançou o clássico Badmotorfinger, que trouxe várias mudanças. Após o lançamento do Louder Than Love, o baixista Hiro Yamamoto, frustrado por não contribuir muito para o processo criativo, deixou a banda para retornar à faculdade. Eles chamaram Jason Everman, mas ele não se adaptou, até que finalmente encontraram um substituto: Ben Shepherd, um grande fã da banda. Esse álbum seguiu o impacto crescente da cena de Seattle, que começava a chamar a atenção internacional, graças a Ten (Pearl Jam) e Nevermind (Nirvana). A fusão de estilos fez com que esse novo trabalho fosse mais sombrio e pesado do que o antecessor. As letras se tornaram mais densas e introspectivas, abordando questões sociais, pessoais e existenciais. A produção foi novamente feita pelo Terry Date, junto com a própria banda. Dessa vez, Date ajudou a dar ao Soundgarden uma sonoridade robusta e crua, capturando a agressividade sem perder a clareza. Os arranjos refletem uma abordagem intencionalmente densa e texturizada, além das linhas vocais impecáveis do Chris Cornell. O repertório é simplesmente excelente, com muitas músicas boas, como Slaves & Bulldozers e Mind Riot, mas as melhores são certamente os hits Rusty Cage e Outshined, além das energéticas Face Pollution e Drawing Flies e da polêmica Jesus Christ Pose, que tem uma letra muito reflexiva. Enfim, esse disco é maravilhoso e contribuiu ainda mais para a expansão do movimento Grunge.

 

                                                        Por hoje é só, então flw!!!     

Analisando Discografias - Soundgarden: Parte 1

                   

Louder Than Love – Soundgarden

NOTA: 8,8/10

Em 1989, o Soundgarden, ainda tentando se encontrar sonoramente, lançou seu 2º disco, o Louder Than Love. Após o mediano Ultramega OK, um trabalho que misturava Punk, Metal e Rock alternativo, mas sem o refinamento que a banda viria a desenvolver, o novo álbum representou um passo à frente. Após a turnê para promover o disco anterior, a banda assinou com a A&M Records, o que causou uma ruptura com o pequeno nicho de público que já haviam conquistado. Na época, o movimento Grunge ainda estava emergindo em Seattle, mas esse trabalho marcou um passo importante tanto para a carreira da banda quanto para o movimento, que se consolidaria no início dos anos 90. A produção ficou a cargo do promissor Terry Date, que ajudou a banda a encontrar um som mais polido e robusto em comparação ao álbum anterior, ampliando a força dos riffs e garantindo que a potência vocal de Chris Cornell brilhasse. A produção destacou o som denso e pesado da banda, com ênfase em guitarras graves e arranjos que beiram o Sludge metal. No entanto, a sonoridade ainda era crua e se enquadrava entre o Heavy Metal e o Grunge, capturando a essência do som underground de Seattle. O repertório é ótimo e traz várias canções que, além de boas, são curiosas, como a sarcástica Big Dumb Sex e a excelente Full On Kevin’s Mom, além de faixas mais reflexivas, como Hands All Over, Gun e Loud Love. Enfim, este álbum é muito bom e mostra a banda no caminho certo.

 

                                                        Então é isso e flw!!!